Принципы и методы анализа произведений изобразительного искусства

Введение в изучение дисциплины «Описание и анализ произведения искусства».

Ключевые

понятия

дисциплины:

искусство,

художественный

образ;

морфология

искусства; вид, род, жанр искусства; пластические временные, синтетические виды

искусства; тектонические и изобразительные; стиль, «язык» искусства; семиотика,

герменевтика, художественный текст; формальный метод, стилистический анализ,

иконография,

иконология;

атрибуция,

знаточество;

эстетическая

оценка,

рецензирование, количественные методы в искусствоведении

Эстетическая теория искусства:

Художественный

образ

–

универсальная

форма

искусства

и

художественного

мышления;

Строение художественного произведения; пространство и время в искусстве;

Историческая динамика видов искусства; синтез искусств в историко-культурном

процессе.

–

Морфология

искусства:

классификация

видов

искусства;

жанр

как

категория

художественной морфологии.

–

Специфические

особенности

пластических

искусств

как

видов:

архитектура,

скульптура, графика, живопись.

– Семиотика и герменевтика искусства в контексте описания и анализа произведения

искусства: языки искусства, знаковый подход к изучению искусства, произведение

искусства как текст, герменевтическое понимание текста.

Методологические основы анализа художественного текста: формально

стилистический, иконографический, иконология.

Как

и

любая

наука,

теория

искусствознания

имеет

свои

методы.

Назовем

основные:

иконографический

метод,

метод

Вельфлина,

или

метод

формально-

стилистического анализа, иконологический метод, метод герменевтики.

Основоположниками

иконографического

метода

были

русский

ученый

Н.П.

Кондаков и француз Э. Маль. Оба ученых занимались искусством Средневековья

(Кондаков — византист, Маль изучал западное Средневековье). В основе этого

метода

лежит

«история

образа»,

изучение

сюжета.

Смысл

и

содержание

произведений можно понять, изучив, что изображено. Понять древнерусскую икону

можно только глубоко исследовав историю появления и развития образов.

Проблемой не что изображено, а как изображено занимался известный немецкий

ученый Г. Вельфлин. В историю искусства Вельфлин вошел как «формалист», для

которого понимание искусства сводится к исследованию его формальной структуры.

Он предлагал проводить формально-стилистический анализ, подходя к изучению

художественного произведения как «объективного факта», который следует понять

прежде всего из него самого.

Иконологический

метод

анализа

произведения

искусства

выработал

американский историк и теоретик искусства Э. Панофский (1892-1968). В основе

данного

метода

лежит

«культурологический»

подход

к

раскрытию

смысла

произведения. Для постижения образа, по мнению ученого, необходимо не только

использовать иконографический и формально-стилистический методы, создав из них

синтез, но и быть знакомым с существенными тенденциями духовной жизни человека,

т.е. мировоззрением эпохи и личности, философией, религией, социальной ситуацией

— всем тем, что называют «символами времени». Здесь от искусствоведа требуются

огромные знания в области культуры. Это не столько способность к анализу, сколько

требование синтезирующей интуиции, ибо в одном произведении искусства как бы

синтезирована целая эпоха. Так, Панофский блестяще раскрыл смысл некоторых

гравюр Дюрера, работ Тициана и др. Все эти три метода со всеми плюсами и

минусами можно использовать для понимания классического искусства.

Сложно понимать искусство XX в. и особенно второй половины XX в., искусство

постмодернизма, которое a priori не рассчитано на наше понимание: в нем отсутствие

смысла и есть смысл произведения. В основе искусства постмодернизма лежит

тотальное

игровое

начало,

где

зритель

выступает

неким

соавтором

процесса

создания произведения. Герменевтика — это понимание через интерпретацию. Но

еще И. Кант говорил о том, что всякая интерпретация является объяснением того, что

не очевидно, и что в основе ее лежит насильственный акт. Да, это так. Для того чтобы

понять современное искусство, мы вынуждены включиться в эту «игру без правил», и

современные теоретики искусства создают параллельные образы, интерпретируя

увиденное.

Таким образом, рассмотрев эти четыре метода понимания искусства, нужно

отметить, что каждый ученый, занимающийся тем или иным периодом истории

искусства, всегда старается найти свой подход к раскрытию смысла и содержания

произведения. И в этом заключается главная особенность теории искусства.

Фактографическое изучение искусства. Атрибуция произведения искусства:

атрибуция

и

знаточество,

теория

атрибуции

и

история

ее

формирования,

принципы и методы атрибуционной работы.

История

знаточества

ярко

и

подробно

описана

отечественными

ученымиискусствоведами В.Н. Лазаревым (1897-1976) («История знаточества»),

Б.Р. Виппером (1888-1967) («К проблеме атрибуции»). В середине XIX в. появляется

новый

тип

«знатока»

искусства,

целью

которого

является

атрибуция,

т.е.

установление подлинности произведения, времени, места создания и авторской

принадлежности.

Знаток

обладает

феноменальной

памятью

и

знаниями,

безупречным вкусом. Он видел много музейных коллекций и, как правило, имеет свою

методику атрибуции произведения. Ведущая роль в развитии знаточества как метода

принадлежала итальянцу Джованни Морелли (1816-1891), впервые попытавшемуся

вывести некоторые закономерности построения произведения живописи, создать

«грамматику художественного языка», которая должна была стать (и стала) основой

атрибуционного

метода.

Морелли

сделал

ряд

ценнейших

открытий

в

истории

итальянского искусства. Последователем Морелли был Бернард Бернсон (1865-

1959),

который

утверждал,

что

единственным

подлинным

источником

суждений

является само произведение. Бернсон прожил долгую и яркую жизнь. В.Н. Лазарев в

публикации

об

истории

знаточества

восторженно

описал

весь

творческий

путь

ученого.

Не

менее

интересен

в

истории

знаточества

немецкий

ученый

Макс

Фридлендер

(1867-1958).

Основой

атрибуционного

метода

Фридлендер

считал

первое впечатление, полученное от увиденного произведения искусства. Лишь после

этого можно приступать к научному анализу, в котором может иметь значение

малейшая деталь. Он допускал, что любое исследование может подтвердить и

дополнить первое впечатление или, наоборот, отвергнуть его. Но оно никогда его не

заменит.

Знаток,

по

Фридлендеру,

должен

обладать

художественным

чутьем

и

интуицией, которые «как стрела компаса, несмотря на колебания, указывают нам

путь».

В

отечественном искусствознании

многие

ученые

и музейные

работники

занимались атрибуционной работой, слыли знатоками. Б.Р. Виппер различал три

основных случая атрибуции: интуитивный, случайный и третий — основной путь в

атрибуции, — когда исследователь с помощью разных приемов приближается к

установлению автора произведения. Определяющим критерием метода Виппера

являются фактура и эмоциональный ритм картины. Под фактурой подразумеваются

краска, характер мазка и т.д. Эмоциональный ритм — это динамика чувственного и

духовного выражения в картине или любом другом виде изобразительного искусства.

Умение

разбираться

в

ритме

и

фактуре

суть

правильное

понимание

и

оценка

художественного качества. Таким образом, многочисленные атрибуции и открытия,

сделанные

знатоками,

музейными

работниками,

внесли

неоспоримый

вклад

в

историю искусства: без их открытий мы бы не узнали истинных авторов работ,

принимая подделки за подлинники. Настоящих знатоков всегда было мало, о них

знали в мире искусства и их деятельность высоко ценилась. Особенно возросла роль

знатока-эксперта

в

XX

в.,

когда

арт-рынок

в

силу

огромной

востребованности

произведений изобразительного искусства заполнился подделками. Ни один музей,

коллекционер не купит произведение без тщательной экспертизы. Если первые

знатоки делали свое заключение на основе знания и субъективного восприятия, то

современный эксперт опирается на объективные данные технико-технологического

анализа, а именно: просвечивание картины рентгеновскими лучами, определение

химического состава краски, определение возраста холста, дерева, грунта. Тем

самым удается избежать ошибок. Таким образом, открытие музеев и деятельность

знатоков

имели

огромное

значение

для

формирования

истории

искусства

как

самостоятельной гуманитарной науки.

–

Эмоционально-эстетическая

оценка

произведения

искусства.

Жанровые

формы, методы искусствоведческого исследования.

Примитивный алгоритм анализа:



Алгоритм анализа произведений живописи

1.

Сведения

об

авторе.

Какое

место

занимает

это

произведение

в

его

творчестве?

2.

Принадлежность к художественной эпохе.

3.

Смысл названия картины.

4.

Жанровая принадлежность.

5.

Особенности сюжета картины. Причины написания картины. Поиск ответа на

вопрос: донес ли автор свой замысел до зрителя?

6.

Особенности композиции картины.

7.

Основные

средства

художественного

образа:

колорит,

рисунок,

фактура,

светотень, манера письма.

8.

Какое впечатление оказало это произведение искусства на ваши чувства и

настроение?

9.

Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?

10. Где находится данное произведение искусства?



Алгоритм анализа произведений архитектуры

1. Что известно об истории создания архитектурного сооружения и его авторе?

2.

Указать

принадлежность

данного

произведения

к

культурно-исторической

эпохе, художественному стилю, направлению.

3. Какое воплощение нашла в этом произведении формула Витрувия: прочность,

польза, красота?

4. Указать на художественные средства и приемы создания архитектурного образа

(симметрия, ритм, пропорции, светотеневая и цветовая моделировка, масштаб),

на

тектонические

системы

(стоечно-балочная,

стрельчато-арочная,

арочно-

купольная).

5.

Указать

на

принадлежность

к

виду

архитектуры:

объемные

сооружения

(общественные:

жилая,

промышленная);

ландшафтная

(садово-парковая

или

малых форм); градостроительная.

6.

Указать

на

связь между

внешним

и

внутренним

обликом

архитектурного

сооружения, на связь между зданием и рельефом, характером пейзажа.

7. Как использованы другие виды искусства в оформлении его архитектурного

облика?

8. Какое впечатление оказало произведение на Вас?

9. Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?

10. Где расположено архитектурное сооружение?



Алгоритм анализа произведений скульптуры

1. История создания произведения.

2. Сведения об авторе. Какое место занимает это произведение в его творчестве?

3. Принадлежность к художественной эпохе.

4. Смысл названия произведения.

5.

Принадлежность

к

видам

скульптуры

(монументальная,

мемориальная,

станковая).

6. Использование материала и техника его обработки.

7. Размеры скульптуры (если это важно знать).

8. Форма и размер пьедестала.

9. Где находится данная скульптура?

10. Какое впечатление оказало данное произведение на Вас?

11. Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?

Примерные вопросы для анализа произведения искусства

Эмоциональный уровень:

• Какое впечатление производит произведение?

• Какое настроение пытается передать автор?

• Какие ощущения может испытывать зритель?

• Каков характер произведения?

• Как помогают эмоциональному впечатлению от произведения его масштаб,

формат, горизонтальное, вертикальное или диагональное расположение частей, ,

использование

определенных

архитектурных

форм,

использование

определенных

цветов

в

картине

и

распределение

света

в

архитектурном

памятнике?

Предметный уровень:

• Что (или кто) изображено на картине?

• Что видит зритель, стоя перед фасадом? В интерьерах?

• Кого вы видите в скульптуре?

• Выделите главное из того, что вы увидели.

• Попробуйте объяснить, почему именно это кажется вам главным?

• Какими средствами художник (архитектор, композитор) выделяет главное?

• Как в произведении скомпонованы предметы (предметная композиция)?

• Как в произведении проведены основные линии (линейная композиция)?

• Как в архитектурном сооружении сопоставляются объемы и пространства

(архитектурная композиция)? Сюжетный уровень:

• Попробуйте пересказать сюжет картины.

• Попробуйте представить, какие события могут чаще происходить в данном

архитектурном сооружении.

• Что может сделать (или сказать) данная скульптура, если она оживет?

Символический уровень:

• Есть ли в произведении предметы, которые что-либо символизируют?

• Носят ли символический характер композиция произведения и ее основные

элементы: горизонталь, вертикаль, диагональ, круг, овал, цвет, куб, купол, арка,

свод, стена, башня, шпиль, жест, поза, одежда, ритм, тембр и т.д.?

•

Каково

название

произведения?

Как

оно

соотносится

с

его

сюжетом

и

символикой?

• Что, по-вашему хотел передать людям автор произведения?

План анализа живописного произведения

1. 1. Автор, название произведения, время и место создания, история замысла и

его воплощение. Выбор модели.

2. 2. Стиль, направление.

3. 3. Вид живописи: станковая, монументальная (фреска, темпера, мозаика).

4. 4. Выбор материала (для станковой живописи): масляные краски, акварель,

гуашь, пастель. Характерность использования данного материала для художника.

5.

5.

Жанр

живописи

(портрет,

пейзаж,

натюрморт,

историческая

живопись,

панорама, диорама, иконопись, марина, мифологический жанр, бытовой жанр).

Характерность жанра для работ художника.

6. 6. Живописный сюжет. Символическое содержание (если есть).

7. 7. Живописные характеристики произведения:

• цвет;

• свет;

• объем;

• плоскостность;

• колорит;

• художественное пространство (пространство, преображенное художником);

• линия.

8.Детали.

9.Личное впечатление, полученное при просмотре произведения.

Конкретика:

Композиционная схема и её функции

размер

формат

(вертикально

и

горизонтально

вытянутый,

квадратный,

овальный,

круглый, соотношение изображения и формата)

рама

геометрические схемы

основные композиционные линии

равновесие, соотношение частей изображения друг с другом и с целым,

последовательность

рассматривания

Пространство и его функции.

Перспектива, точки схода

плоскостность и глубина пространственные планы дистанция между зрителем и

произведением, место зрителя в пространстве картины или вне его точки зрения

и наличие ракурсов, линия горизонта

Светотень, объём и их роль.

объём и плоскость

линия, силуэт

источники света, время суток, эффекты освещения

эмоциональное воздействие света и тени

Цвет, колорит и его функции

преобладание тонального или локального колорита

тёплый или холодный колорит

линейность или живописность

основные цветовые пятна, их отношения и их роль в композиции

тон, валеры

рефлексы

эмоциональное воздействие цвета

Фактура поверхности (Мазок).

характер мазка (открытая фактура, гладкая фактура)

направленность мазков размер

мазка

лессировки



Описание и анализ произведений живописи

Художественный язык живописи

Понятие живописи. Средства художественной выразительности: художественное

пространство, композиция, колорит, ритм, характер красочного мазка. Материалы

и техники живописи: масло, темпера, гуашь, акварель, смешанная техника и др.

Живопись

станковая

и

монументальная.

Разновидности

монументальной

живописи: фреска, мозаика, витраж и др. Жанры живописи: портрет, пейзаж,

бытовой жанр, натюрморт, анималистика, исторический и др.

Описание произведений живописи

Определение базовых параметров произведения: автор, дата создания, размер

картины,

формат

картины:

вытянутый

по

горизонтали

или

вертикали

прямоугольник (возможно, со скруглённым завершением), квадрат, круг (тондо),

овал. Техника (темпера, масло, акварель и т.д.) и на какой основе (дерево, холст

и т.д.) выполнена картина и др.

Анализ произведений живописи

Примерный план анализа:

1. Есть ли в картине сюжет? Что изображено? В какой среде располагаются

изображённые персонажи, предметы?

2. На основании анализа изображения Вы можете сделать вывод о жанре. К

какому

жанру:

портрет,

пейзаж,

натюрморт,

обнажённая

натура,

бытовой,

мифологический, религиозный, исторический, анималистический, — принадлежит

картина?

3.

Как

Вам

кажется,

какую

задачу

решает

художник

–

изобразительную?

выразительную?

Какова

степень

условности

или

натурализма

изображения?

Тяготеет ли условность к идеализации или к экспрессивному искажению? Как

правило, с жанром связана композиция картины.

4.

Из

каких,

составляющих

складывается

композиция?

Каково

соотношение

объекта изображения и фона / пространства на полотне картины?

5. Насколько близко к картинной плоскости размещены объекты изображения?

6. Какой угол зрения выбрал художник – сверху, снизу, вровень с изображенными

объектами?

7. Как определена позиция зрителя – вовлекается ли он во взаимодействие с

изображенным на картине, или ему отводится роль отстраненного созерцателя?

8. Можно ли назвать композицию уравновешенной, статичной, или динамичной?

Если присутствует движение, как оно направлено?

9. Как построено картинное пространство (плоскостно, неопределенно, выгорожен

пространственный

слой,

создано

глубокое

пространство)?

За

счёт

чего

достигается

иллюзия

пространственной

глубины

(различие

в

размере

изображенных фигур, показ объема предметов или архитектуры, с помощью

градаций цвета)? Композиция разрабатывается средствами рисунка.

10. Насколько выражено в картине линейное начало?

11. Подчеркнуты или скрадены контуры, отграничивающие отдельные предметы?

Какими средствами достигается этот эффект?

12. До какой степени выражен объём объектов? Какими приёмами создаётся

иллюзия объёма?

13.

Какую

роль

в

картине

играет

свет?

Какой

он

(ровный,

нейтральный;

контрастный,

лепящий

объем;

мистический).

Прочитывается

ли

источник/направление света?

14.

Читаются

ли

силуэты

изображенных

фигур

/

объектов?

Насколько

они

выразительны и ценны сами по себе?

15. Насколько детализировано (или наоборот обобщено) изображение?

16. Передаётся ли разнообразие фактур изображённых поверхностей (кожа,

ткани, металл и т.д.)? Колорит.

17. Какую роль играет в картине колорит (подчинён рисунку и объёму или наоборот

подчиняет себе рисунок и сам выстраивает композицию).

18. Является ли цвет просто окраской объёма или чем-то большим? Является ли

он оптически достоверным или экспрессивным?

19. В картине преобладают локальные цвета или тональный колорит?

20. Различимы ли границы цветовых пятен? Совпадают ли они с границами

объёмов и предметов?

21. Художник оперирует большими массами цвета или маленькими пятнами,

мазками?

22. Как написаны теплые и холодные цвета, пользуется ли художник сочетанием

дополнительных

цветов?

Для

чего

он

это

делает?

Как

переданы наиболее

освещенные и затенённые места?

23. Есть ли блики, рефлексы? Как прописаны тени (глухо или прозрачно, цветные

ли они)?

24. Можно ли выделить ритмические повторы в использовании какого-либо цвета

или сочетания оттенков, можно ли проследить развитие какого-либо цвета? Есть

ли доминирующий цвет/ сочетание цветов?

25. Какова фактура живописной поверхности – гладкая или пастозная? Различимы

ли отдельные мазки? Если да, то какие они — мелкие или длинные, жидкой, густой

или почти сухой краской нанесены?



Описание и анализ графических произведений

Художественный язык графики

Графика

как

вид

изобразительного

искусства.

Основные

средства

художественной выразительности графики: линия, штрих, пятно и др. Рисунок

линейный и светотеневой. Гравюра, виды гравюры: ксилография, литография,

линогравюра, офорт, монотипия, акватинта и др. Станковая графика. Книжная

графика. Искусство плаката, афиши. Прикладная графика.

Описание произведений графики

Определение базовых параметров произведения: автор, дата создания, размер

листа, формат, техника.

Анализ произведений графики

Примерный план анализа:

1.

Общее

определение

пространственной

ситуации,

характеристики

изображенного пространства. Пространство — глубокое или нет, замкнутое или

открытое, на каком плане сосредоточены акценты. Преобладающие (наиболее

существенные

для

этого

произведения)

средства

построения

глубины

и

их

использование. Например, характер линейной или воздушной перспективы (если

она использована). Характеристики изображенного пространства. Целостность/

расчлененность

пространства.

Деление

на

планы,

распределение

внимания

(выделенность тех или иных планов или равномерность восприятия). Точка

зрения.

Взаимодействие

зрителя

и

изображенного

пространства

(этот

пункт

необходим, даже если нет изображения глубинного пространства).

2.

Расположение,

соотношение,

взаимосвязи

элементов

на

плоскости

и

в

пространстве.

Определение типа композиции — если это возможно. В дальнейшем- уточнение:

как именно этот тип композиции воплощен в данном графическом произведении,

каковы нюансы его использования. Характеристики формата (размер пропорции).

Соотношение формата и композиции: изображение и его границы. Распределение

масс

в

пределах

листа.

Композиционный

акцент

и

его

расположение;

его

соотношение с другими элементами; доминирующие направления: динамика и

статика. Взаимодействие основных элементов композиции с пространственной

структурой, расстановка акцентов.

3. Анализ графической техники.

4. Итог анализа — выявление принципов построения формы, ее выразительных

качеств

и

воздействия.

Исходя

из

формальных

и

выразительных

качеств

произведения, можно ставить

вопрос о его смысле

(содержании,

идее) т.е.

переходить к его интерпретации. При этом необходимо учитывать сюжет (как

трактован сюжет в этом произведении?), специфику изображения персонажей (в

сюжетной картине и портрете — позы, жесты, мимика, взгляд), символику (если

она имеется) и т. д., но в то же время — средства изображения и, следовательно,

воздействие картины. Возможно так же соотнесение выявленных индивидуальных

особенностей

произведения

с

требованиями

вида

и

жанра,

к

которым

оно

принадлежит, с более широким художественным контекстом (творчество автора в

целом: искусство эпохи, школы и т. д.). Из этого может следовать вывод о

ценности и значении произведения, его месте в истории искусства.



Описание и анализ произведений декоративно-прикладного и народного

искусства

Виды декоративно-прикладного и народного искусства

Роспись

по

дереву,

металлу

и

др.

Вышивка.

Ковроткачество.

Ювелирное

искусство.

Резьба по дереву, кости. Керамика. Художественные лаки и др.

Описание памятников декоративно-прикладного и народного искусства

Вид декоративно-прикладного искусства. Материал. Особенности его обработки.

Размеры. Назначение. Характеристика цвета, фактуры. Степень соотношения

утилитарной и художественно – эстетической функций предмета.

Анализ памятников декоративно-прикладного и народного искусства

Примерный план анализа

1. Для чего подобный предмет предназначен?

2. Какого его размеры?

3. Как располагается декорация предмета? Где размещаются зоны фигуративных

и орнаментальных украшений? Как связано размещение изображений с формой

предмета?

4.

Какие

типы

орнаментов

используются?

На

каких

частях

предмета

они

располагаются?

5. Где располагаются фигуративные изображения? Они занимают больше места,

чем орнаментальные или являются просто одним из орнаментальных регистров?

6. Как строится регистр с фигуративными изображениями? Можно ли сказать, что

здесь используются приемы свободной композиции или используется принцип

рядоположенности (фигуры в одинаковых позах, минимум движения, повторяют

друг друга)?

7. Как изображаются фигуры? Они подвижные, застывшие, стилизованные?

8.

Как

передаются

детали

фигур?

Они

выглядят

более

естественно

или

орнаментально? Какие приемы используются для передачи фигур?

9. Загляните, если возможно, внутрь предмета. Есть ли там изображение и

орнаменты? Опишите их по выше приведенной схеме.

10.

Какие

основные

и

дополнительные

цвета

используются

в

построении

орнаментов и фигур? Каков тон самой глины? Как это влияет на характер

изображения

–

делает

его

более

орнаментальными

или,

наоборот,

более

естественным?