ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ ПРОФЕССИОНАЛЬНОЕ

ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

«СМОЛЕНСКОЕ ОБЛАСТНОЕ МУЗВКАЛЬНОЕ УЧИЛИЩЕ

ИМЕНИ М.И. ГЛИНКИ»

ДЕТСКАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ШКОЛА

Дополнительная образовательная программа

внеурочной деятельности ДМШ при училище

«История исполнительского дирижерского

искусства»

Составитель Е.В. Полянская

Смоленск 2024

ОГЛАВЛЕНИЕ

№

Содержание

Стр.

1

Пояснительная записка

3

2

Актуальность программы, цели и задачи

3-4

3

Режим учебных занятий

4

4

Ожидаемые результаты после освоения программы

4-5

5

Учебно-тематический план программы

6

6

Планы-конспекты учебных занятий

7-32

2

Пояснительная записка

Реализация дополнительной образовательной программы внеурочной

деятельности ДМШ при училище «История исполнительского дирижерского

искусства» направлена на разностороннее развитие личности обучающихся и

играет важную роль в учебно-воспитательном процессе детской музыкальной

школы,

способствуя

развитию

у

детей

интереса

к

музыкальному

исполнительскому искусству.

Программа внеурочной деятельности имеет художественно-эстетическую

направленность, занятия по программе позволяют детям удовлетворить свои

познавательные интересы и расширить информированность в данной области

музыкального исполнительства.

Основное содержание программы. Дирижирование является одним из

наиболее

сложных

видов

музыкально-исполнительского

искусства.

Дирижирование

или

дирижерское

исполнительство,

как

всякое

другое

музыкально-исполнительское

искусство

имеет

свою

историю,

постоянно

развивается и совершенствуется в процессе систематической работы дирижера с

каким-либо творческим исполнительским коллективом - хором, оркестром и т.д.

Оркестр является сложнейшим «музыкальным инструментом», с помощью

которого дирижер раскрывает содержание музыкальных произведений различных

стилей и эпох, жанров и направлений, различной степени технической сложности

и художественной содержательности. Являясь единым организмом, состоящим из

числа ярко выраженных индивидуальностей музыкантов, оркестр представляет

собой достаточно сложный музыкальный инструмент. Для мастерского владения

данным

инструментом

дирижеру

необходимы

такие

качества,

как

профессионализм, воля и авторитет. Глубокое знание природных особенностей и

технических

возможностей

инструментов,

входящих

в

состав

оркестра,

фундаментальные

музыкально-теоретические

знания,

тонкий

слух,

знания

педагогики и психологии, а также техники дирижирования,

дают право

музыканту становиться за пульт дирижера.

При изучении курса «История исполнительского дирижерского искусства»

большое значение имеет установление межпредметных связей с уроками по

предметам: специальность, ансамбль, музыкальная литература в ДМШ. Знания

учащихся после освоения данной программы

помогут ориентироваться в

основных явлениях музыкального исполнительского дирижерского искусства,

Программа адресована учащимся старших классов ДМШ при училище и

рассчитана на три учебных месяца.

Актуальность программы, цели и задачи

Актуальность программы в ее практической значимости, ориентированности

на развитие у детей личностных качеств, позволяющих принимать ценности

музыкального искусства в целом и музыкального исполниельства. Программа

нацелена на формирование:

3

- эстетических взглядов;

- нравственных установок;

- потребности общения с духовными ценностями;

- самостоятельного восприятия и умения оценивать культурные ценности.

Цель программы:

- формирование художественной культуры обучающихся как неотъемлемой

части духовной культуры;

-

знакомство

обучающихся

с

историей

дирижирования,

как

вида

исполнительского искусства;

- дать понятие о дирижерском исполнительском искусстве и значении роли

дирижера при исполнении музыкальных произведений в оркестре, хоре.

Цель определяет следующие задачи:

- познакомить с историей возникновения дирижерского исполнительства;

показать выразительные возможности различных групп инструментов, входящих

в оркестр, познакомить с выдающимися

знаменитыми отечественными и

зарубежными дирижерами;

-

развивать интерес к музыкальному исполнительству, учить мыслить,

рассуждать, чувствовать музыку, характеризовать музыкальные образы, развивать

творческие способности;

- воспитывать слушательскую культуру, эмоциональную отзывчивость на

восприятие классической музыки;

- расширение общекультурного кругозора и формирование представления о роли

музыкального исполнительского искусства в жизни общества;

- формирование художественно-творческой активности учащихся.

Режим занятий

Программа адресована учащимся старших классов ДМШ при училище и

рассчитана на три учебных месяца (октябрь – декабрь) 1 полугодия 2024-2025

учебного года. Занятия проводятся по одному учебному часу в количестве 6

часов, два часа в месяц по 45 минут. Образовательный процесс строится в

соответствии с возрастными, психологическими возможностями и особенностями

учащихся.

Форма проведения занятий – очная, мелкогрупповая.

4

Ожидаемые результаты

Предметные результаты

изучения дополнительной образовательной

программы «История исполнительского дирижерского искусства»:

формирование следующих знаний:

-

формирование

первоначальных

знаний

о

понятии

музыкального

исполнительского искусства в жизни и духовно – нравственном развитии

человека;

-

знакомство

учащихся

с

историей

дирижерского

исполнительства

и

выдающимися зарубежными и отечественными дирижерами;

- получение учащимися представлений о некоторых специфических

формах художественной музыкальной исполнительской деятельности.

Личностные результаты

изучения дополнительной образовательной

программы «История исполнительского дирижерского искусства»:

формирование следующих умений:

- формирование у обучающихся ценностных ориентиров в области музыкального

исполнительского искусства;

- воспитание уважительного отношения к музыкальному творчеству, как к

своему, так и других людей;

- формирование духовных и эстетических потребностей.

В результате освоения

дополнительной образовательной программы

внеурочной деятельности ДМШ при училище «История исполнительского

дирижерского искусства»:

Обучающийся должен знать:

- определение понятия «дирижерское исполнительское искусство»;

- историю становления дирижирования как профессии музыканта-исполнителя;

- имена великих мастеров дирижерского исполнительского искусства.

Обучающийся должен иметь понятия:

- об истории дирижерского исполнительского искусства;

- о значении роли дирижера при исполнении музыкальных произведений и

технике дирижирования.

Обучающийся должен уметь:

- выражать свое отношение к явлениям музыкального исполнительского

искусства;

- использовать полученные знания в практической деятельности.

Обучающийся должен приобрести навыки:

5

- коллективного творческого процесса и общительности;

- осознанного восприятия произведений музыкального искусства;

-

осознавать

общечеловеческие

ценности,

выраженные

в

главных

темах

музыкального исполнительского искусства дирижирования, и отражать их в

собственной художественной деятельности.

Учебно-тематический план программы

№

Темы занятий

Количество

часов

1

Вводное занятие. Обзорная тема: «Что такое дирижирование».

1

2

Истоки и история становления дирижирования и особенности

дирижерской техники.

1

3

18 век – становление музыкальной профессии дирижера.

Рихард Вагнер – реформатор в истории дирижерского

исполнительского искусства.

1

4

Значение роли дирижера в оркестре, хоре.

Профессиональные качества и функции дирижера.

1

5

Выдающиеся дирижеры.

1

6

Дирижерское исполнительское искусство в России.

1

6

Занятие № 1

дополнительной образовательной программы

внеурочной деятельности ДМШ при училище

«История исполнительского дирижерского искусства»

01.10.2024 г.

Занятие мелкогрупповое

Тема: вводное занятие, обзорная тема: «Что такое дирижирование».

Цель занятия:

расширение музыкального

кругозора учащихся,

развитие

интереса к музыкальному исполнительскому искусству.

Задачи занятия:

ознакомление учащихся с понятиями дирижирования и

дирижерского жеста.

Содержание: 45 минут.

1.

Приветствие.

2.

Беседа, лекция.

3.

Подведение итогов занятия и обсуждение представленного учебного

материала с учащимися.

Ключевые

понятия:

Понятие

дирижирование.

Определение

музыкальной

профессии - дирижер. Оркестровое и хоровое дирижирование. Дирижерский

жест и его значение в исполнительской деятельности.

Одно из самых сложных занятий, требующего огромного напряжения,

умственной и физической энергии, времени, гибкого отношения к исполнительству

музыканта - это дирижирование. Это не просто взмах рукой или палочкой, это

целое искусство, которое требует кропотливой работы.

Дирижирование занимает

особое место в ряду музыкально-исполнительских искусств и может быть

охарактеризовано как самый специфический вид музыкального исполнительства.

Дирижирование - это управление коллективом музыкантов (оркестром,

хором, ансамблем, оперной или балетной труппой в музыкальном театре) в

процессе разучивания, а затем и публичного исполнения ими музыкального

произведения. Слово дирижирование произошло от французского diriger -

направлять, управлять, руководить. Это

один из наиболее сложных видов

музыкально-исполнительского искусства.

Сегодня выделяют два типа дирижирования: оркестровое и хоровое.

Оркестровое – работа с музыкантами-исполнителями оркестра, хоровое – работа с

вокалистами.

Это

два

разных

направления,

отличающиеся

манерой

дирижирования, в оркестре она более жесткая, чем в хоре. Дирижеров, которые

руководят хором, называют хормейстерами.

7

Дирижировние, как вид исполнительства, осуществляется дирижёром,

который обеспечивает ансамблевую стройность и техническое совершенство

исполнения музыки, а также стремится передать руководимым им музыкантам

свои

художественные

намерения,

раскрыть

в

процессе

исполнения

своё

толкование творческого замысла композитора, своё понимание содержания и

стилистических особенностей данного музыкального произведения. В основе

исполнительского плана дирижёра лежит тщательное изучение и максимально

точное, бережное воспроизведение текста авторской партитуры музыкального

произведения.

В музыкальной природе профессия дирижера считается самой сложной и

ответственной из всех исполнительских профессий. Он решает комплексные

задачи,

включающие

индивидуальную

ответственность

исполнителя

и

специфическую:

управление

коллективным

исполнением.

Без

сильной

исполнительской

воли

дирижера

невозможно

создавать

индивидуальные

трактовки музыкальных произведений и объединять исполнителей в единый

инструмент.

Естественно, что для того, чтобы ясно, выразительно и эмоционально

передать музыкантам-исполнителям свои творческие намерения, дирижёр должен

научиться владеть, прежде всего, своим лицом, руками, телом. Если на репетиции

он может воздействовать на музыкантов при помощи словесных разъяснений и

исполнительским показом (голосом или на инструменте), то на концерте

единственными средствами общения дирижёра с исполнителями являются жесты,

мимика и движения. Ведь на концерте дирижёра воспринимают только зрением.

Он стоит спиной к зрителям и просто машет дирижерской палочкой. Понятно

поэтому, как важно дирижёру достичь максимальной выразительности рук, лица,

глаз, корпуса, которые должны стать зеркалом его мысли, чувства, воли и

основным

орудием

его

художественного,

эмоционального

и

волевого

воздействия. Он вносит свое персональное видение исполнения музыки, С

разными дирижерами она будет звучать по-разному.

Дирижирование постепенно превратилось в самостоятельную музыкальную

профессию, не связанную с творчеством композитора: управление разросшимся

оркестром,

интерпретация

все

более

сложных

музыкальных

произведений

требовали особых навыков и умений, отличавшихся от таланта инструментального

музыканта-исполнителя.

Исполнительское искусство дирижирования основано на особой, специально

разработанной системе движений рук. Жесты рук способны начинать, продолжать,

заканчивать течение музыки. Они регулируют процесс движения. Движения рук

дирижера звучат не только как партитура, но и используют дух музыки.

Музыкальные образы, слышимые дирижером, рожденные его воображением

и внутренним слухом, становятся видимыми исполнителями через дирижерский

жест и мимику. Дирижерский жест приобретает глубокий выразительный

смысл.

8

Он всегда первичен по отношению к музыке, дирижер исполняет

музыку жестами. Этот пластический образ вызывает у исполнителей слышание

музыки, подобное управляемому дирижеру. Чем интереснее и богаче замысел

дирижера, чем точнее его дирижирование, тем конкретнее вырисовывается

замысел стиля данного произведения в исполнении коллектива. Внешняя

форма дирижерского аппарата проявляется в процессе воздействия дирижера

на исполнителей. Этот процесс управления раскрывает не только содержание

музыкального произведения, но и внутренний мир дирижера.

Естественность дирижерского жеста, его связь с специфическими

музыкальными ассоциациями делают его понятным не только музыкантам -

профессионалам, но и малоподготовленным исполнителям, начинающим

концертно-исполнительскую деятельность.

Подводя итог, можно сделать следующие выводы

– отличительными

особенностями дирижёрского искусства являются:

- инструмент дирижёра – это оркестр или хор, поэтому дирижёру необходимо

достичь максимальной выразительности рук, лица, глаз, мимики, корпуса, всего

дирижёрского аппарата, с помощью которых он передаёт исполнителям свои

творческие намерения;

- дирижёрская техника является не только средством выявления его творческих

намерений, но и средством воздействия на исполнительский коллектив;

- дирижёрский жест существует не сам по себе, а лишь как способ выражения

исполняемой музыки. Источник пластической выразительности жеста находится в

самой музыке;

- элементы музыки - темп, ритм, метр, динамика, штрихи, являются элементами

движения и движением же выражаются;

- жест должен не иллюстрировать музыку, а воздействовать на исполнителей и ее

исполнение;

- точность и ясность жеста должны сохраняться и при самом выразительном и

экспрессивном дирижировании;

- дирижёр, как интерпретатор, несёт ответственность перед оркестром или хором

и слушателями за исполнение музыкального произведения и наиболее полное

воплощение намерений и замысла композитора.

Профессия дирижера требует определенных знаний и навыков. Дирижер

должен хорошо разбираться в музыкальных жанрах, знать сольфеджио, обладать

навыками вокального искусства, играть на музыкальных инструментах. Также

дирижер может писать музыку, составлять аранжировки. Поскольку он является

руководителем оркестра, то должен знать особенности каждого музыканта в

коллективе,

грамотно

распределять

партии,

выстраивать

всю

концепцию

оркестра.

9

Занятие № 2

дополнительной образовательной программы

внеурочной деятельности ДМШ при училище

«История исполнительского дирижерского искусства»

05.10.2024 г.

Занятие мелкогрупповое

Тема: истоки и история становления дирижирования и особенности дирижерской

техники.

Цель занятия:

расширение музыкального

кругозора учащихся,

развитие

интереса к музыкальному исполнительскому искусству.

Задачи занятия:

ознакомление учащихся с историей становления дирижирования

и дирижерского жеста.

Содержание: 45 минут.

1.

Приветствие.

2.

Беседа, лекция.

3.

Подведение итогов занятия и обсуждение представленного учебного

материала с учащимися.

Ключевые

понятия:

история

становления

дирижирования,

хейрономия,

использование баттуты при дирижировании, дирижирование с генерал-басом,

аспекты дирижеской техники.

В процессе истории становления и развития дирижирования четко

обозначились три этапа. Первый - это жестикуляция (хейрономия), обозначение

относительной высоты звука и его длины с помощью движений рук, пальцев,

головы, туловища. Второ

й

- это управление ритмической стороной исполнения

используя стук

палкой, ногой, рукой и др

.

Третий

–

это

контроль исполнения игрой

на инструменте.

Дирижирование как вид музыкального исполнительства уходит корнями в

древний Египет.

Об этом свидетельствуют дошедшие до нас старинные

изображения на древнеегипетских барельефах, на которых человек, исполняющий

функции дирижёра с жезлом в руке, руководит несколькими певцами и

музыкантами.

Делалось это с одной задачей — координация музыкантов между

собой. Вместо того, чтобы несколько человек смотрели друг на друга и пытались

получать информацию о темпе музыкального произведения, о том, что они сейчас

исполняют, был поставлен один, который и управлял всеми музыкантами.

Тогда зародилась первоначальная форма дирижирования под названием

11

хейрономия

(от греческих слов heir – рука и nomos - закон, правило). В основе

этого самого раннего вида дирижирования лежала система условных движений

рук

и

пальцев

дирижера,

которые

поддерживались

соответствующими

движениями головы и корпуса. Дирижер указывал музыкантам контуры мелодии

– ее движение вверх или вниз. Жесты дирижера указывали также оттенки

выражения и своей пластикой должны были соответствовать общему характеру

исполняемой музыки. С помощью системы условных движений рук и пальцев

руководитель группы исполнителей указывал им темп, метр, ритм, направление

мелодической линии. Существовавшее в Египте искусство хейрономии сочетало в

себе дирижирование и так называемое «воздушное нотное письмо». В древнем

Египте

музыка

сопровождала

трудовые

процессы,

массовые

празднества,

религиозные обряды, а также действа, связанные с культом различных богов,

которым поклонялись древние египтяне.

Основным образцом движений хейрономии является так называемая

“гвидонова рука”. Отдельные ступени гаммы обозначались суставами первых

пальцевых фаланг правой руки. Дирижер, показывая при исполнении пальцами

левой руки соответствующие суставы правой руки и промежутки между ними,

создавал у музыкантов представление о высоте звуков, интервалах, мелодическом

рисунке. Для показа нюансировки существовал целый ряд условных знаков: так,

например, piano выражалось указательным пальцем правой руки, которым

дирижер проводил по пальцам левой руки, при forte - правая рука прижималась к

ладони левой и т. д.

Хейрономия древних народов перешла в практику средневековья и

удержалась в ней в качестве основной системы дирижирования вплоть до XVI

века. Необходимо указать, что, несмотря на условность хейрономической

«науки», в рамках этого стиля стихийно развивается общезначимое искусство

дирижерского жеста, сохранившее до наших дней.

В 1564 году итальянский композитор Джованни Пьерлуиджи да Палестрина

впервые использовал баттуту, служащую для отбивания такта. Так сложился

новый способ дирижирования при помощи баттуты – палки-жезла с острым

концом (от итальянского слова battere - бить, ударять). Она представляла собой

массивный посох из дерева или металла, иногда украшенный драгоценностями.

Такая

практика

«шумного»

дирижирования

была

повсеместной

в

эпоху

Возрождения. Тактирование баттутой применялось и в хоровой музыке, даже в

церквях это явление было привычным очень долгое время, по сведениям многих

источников, одним из первых достоверных указаний на применение баттуты

является, художественное изображение церковного ансамбля.

Этот способ дирижирования заключался буквально в отбивании ритма,

сплошь

и

рядом

довольно

громком

и

очень

шумном

дирижировании.

Дирижирование с помощью батуты являлось чисто механическим способом

12

дирижирования, когда музыканты оркестра или ансамбля не являлись партнерами

дирижера в творческом процессе исполнения музыки. Это было удобно

музыкантам в целях поддержания ими ритмического ансамбля, но не могло не

вызывать

своеобразного

протеста

со

стороны

наиболее

просвещенных

слушателей. «Нельзя колотить палкой с такой силой, - говорит один из писателей

того времени, - что она разлетается на мелкие щепки, и думать при этом, что

дирижирование

заключается

только

в

яростных

ударах».

Существует

достоверный невеселый факт в истории использования баттуты. Французский

композитор

Жан-Батист Люлли в 1687 году,

«отбивая» такт католического

гимна

торжественного

характера,

оказался

жертвой

данного

способа

дирижирования,

пользуясь

массивной

палкой

с

тяжелым

свинцовым

наконечником для мощи удара. Во время исполнения гимна он с огромной

силой ударил баттутой себе по ноге, нарыв перешел в страшное заболевание -

гангрену, ставшую причиной смерти этого композитора.

В XVI веке появляется новая система дирижирования с помощью партии

генерал-баса, когда дирижирование осуществлялось музыкантом, исполнявшим

партию генерал-баса на музыкальном инструменте: клавесине или органе.

Клавесинист

или

органист становится теперь не только непременным

участником оркестра, но и его руководителем – дирижером, который определяет

темп

рядом

аккордов,

подчеркивая

ритм

акцентами

или

определенной

фигурацией.

Это стало новой формой оркестрового ансамбля и управления им.

Дирижирование за органом или клавесином, зародившееся в то время, полностью

закрепляется в концертной практике. В дальнейшем эта система проникает и в

оперу,

достигая вершины своего развития. Помимо игры на музыкальном

инструменте, дирижеры делали указания глазами, головой, пальцем, иногда

напевая мелодию или отстукивая ритм ногой.

Великий Иоганн Себастьян Бах был ярким представителем этой новой системы

дирижирования. Заняв в 1723 году должность кантора и капельмейстера в школе

при церкви святого Фомы в Лейпциге, он, наряду с сочинением музыки, выполнял

обязанности хормейстера и дирижера. Разучивая с хором и оркестром свои

произведения и руководя их последующим исполнением, И.С. Бах одновременно

с тем и сам играл на органе, на чембало или скрипке. Современники писали:

«Трудно представить, как Бах, имея дело с тридцатью, сорока музыкантами,

одному показывает такт кивками головы, другому отсчитывает ударами ноги,

третьего держит в повиновении приподнятым кверху

13

пальцем. Он одновременно указывает звук инструментам, играющим в низком,

среднем и высоком регистрах, и, несмотря на то, что его роль в оркестре за

клавесином самая трудная, он замечает любую фальшь и сразу восстанавливает

точность».

14

Занятие № 3

дополнительной образовательной программы

внеурочной деятельности ДМШ при училище

«История исполнительского дирижерского искусства»

08.10.2024 г.

Занятие мелкогрупповое

Тема: XVIII век – становление музыкальной профессии дирижера.

Рихард Вагнер – реформатор в истории дирижерского исполнительского

искусства.

Цель занятия:

расширение музыкального

кругозора учащихся,

развитие

интереса к музыкальному исполнительскому искусству.

Задачи занятия:

ознакомление учащихся с историей дирижирования XVIII века

и реформой Р. Вагнера в дирижерском искусстве.

Содержание: 45 минут.

1.

Приветствие.

2.

Беседа, лекция.

3.

Подведение итогов занятия и обсуждение представленного учебного

материала с учащимися.

Ключевые понятия: двойное и тройное дирижирование, появление дирижерской

палочки, реформатор Вагнер.

С начала XVIII века было решено, что нельзя «портить» исполняемую

музыку ударами и стуками, поэтому дирижеры для ритмического управления

оркестром использовали некий любой

утяжеляющий предмет - смычок,

свернутый рулон бумаги, малую батуту, в это же время и происходит становление

музыкальной профессии дирижёра.

В это же время появляется и дирижерская палочка, которую часто

называют продолжением руки дирижера. Время рождения дирижерской палочки

не столь отдаленное, как это представляется - XVIII век. И появилась она на свет

почти случайно. Изобретателем же дирижерской палочки традиционно считается

Людвиг Шпор. В шесть лет Людвига отдали в обучение органисту, затем он

освоил скрипку. Начав самостоятельную гастрольную деятельность, Шпор имел в

Европе оглушительный успех. Его известность соперничала со славой Никколо

Паганини. В 1810 году на одном музыкальном празднике Шпор дирижировал

палочкой, скатанной из бумаги, и этот новый способ вызвал изумление у публики.

С удивлением встретили новую манеру через несколько лет и музыканты

европейских столиц - Франкфурта и Лондона, однако вскоре все увидели ее

преимущества.

Изначально палочки для дирижера делали из дерева. И по

сегодняшний день признанные мастера находят, что лучший материал для них –

15

дерево твердой породы: бук, клен, осина, яблоня, орех, карельская береза. Такие

палочки не вибрируют при резком взмахе. Хотя среди дирижеров есть такие, кто

предпочитает как раз гибкие палочки, например, из бамбука или пластика - они

ломаются не так часто. Делают палочки и из металла – у них, в свою очередь, есть

сторонники и противники среди дирижеров, кто-то считает их прочными и

надежными, а кому-то кажется, что при ударах такой палочкой о пюпитр звук

получается слишком громким и резким. Палочка состоит из штока и ручки. У

деревянных палочек ручка пропитывается воском: чтобы блестела, но в руке не

скользила.

Людвиг Шпор первым вышел к оркестру с дирижерской палочкой

В эту эпоху сложилась самостоятельная функция дирижёра, который

постепенно, наряду с техническими задачами, начал включать и художественные:

достигать

необходимых

звуковых

соотношений,

подчёркивать

оттенки

и

контрасты, уделять внимание выразительности.

Распространилась практика двойного и тройного дирижирования при

исполнении сложных вокально-инструментальных сочинений. Например, в опере

исполнитель - клавесинист управлял певцами, а концертмейстер - оркестром.

Третьим руководителем мог стать первый виолончелист, игравший басовый голос

в оперных речитативах, или хормейстер. В отдельных случаях число дирижёров

могло доходить до пяти.

К концу же XVIII века дирижёр всё чаще перестаёт быть одним из участников

исполнения. Теперь он по-настоящему возглавляет коллектив, как правило, стоя

перед

исполнителями.

Именно

в

этот

период

происходит

рождение

самостоятельного

дирижёрского

искусства,

подразумевающего

не

только

координацию исполнения, но и его художественную трактовку, передачу стиля и

замысла композитора.

В конце XVIII — начале XIX века сначала на концертной эстраде, а затем и в

оперном театре появляются первые дирижёры в современном смысле слова.

Первыми такими музыкантами были Карл Мария фон Вебер, Феликс

16

Мендельсон-Бартольди и другие. Расширилось количество инструментов, музыка

стала богаче, да и вообще наступила другая эпоха - эпоха классицизма. Примерно

в это время функции дирижера на себя берет концертмейстер скрипок. То есть он

показывает, как играть - так же, как и в струнном ансамбле, он дает знаки

остальным музыкантам.

Что интересно, все это время клавесинист в опере сидит в оркестровой яме, а

дирижер, если это симфоническое произведение, стоит лицом к уважаемой

публике. Тогда считалось, что музыкант — это своего рода обслуживающий

персонал, который существует, чтобы развлекать благородное и просвещенное

общество. Многим людям аристократического происхождения, которые хотели

связать свою жизнь с музыкой, приходилось брать псевдонимы, потому что стать

музыкантом было позором для семьи. Поэтому для того времени естественно, что

дирижер стоит к публике лицом, тем более, что на выступлениях мог

присутствовать император и члены его семьи.

Когда же это меняется? Когда дирижер поворачивается к оркестру и иногда

даже скрывается от публики. Скорее всего, это изменил великий Рихард Вагнер,

который был известным музыкальным реформатором. Его заботили вопросы

искусства, на публику он не обращал внимания, может быть, публика его до сих

пор так и любит, но этот поворот ознаменовал собой поворот и в технике, и в сути

дирижирования. Дирижер смог установить подлинный контакт с оркестром, и,

конечно, этот контакт с музыкантами сыграл очень большую роль.

Творчество Рихарда Вагнера стало символом перелома в музыкальных

традициях Европы XIX века. Он совершил смелые открытия, не боясь осуждения

и полагаясь лишь на собственную безупречную музыкальную интуицию. Вагнеру

выдалась непростая судьба, но, возможно, именно те тягостные испытания,

которые пришлись на его долю, и послужили толчком для революционных

изменений не только оперных, но и симфонических жанров. Великий реформатор,

оказавший значимое влияние стал единственным музыкантом за всю историю,

который удостоился чести иметь собственный театр, а фестиваль его имени по

сей день собирает только лучших представителей музыкального искусства.

Рихард Вагнер произвёл революцию в искусстве дирижирования. Он был

первым дирижёром, кто повернулся спиной к зрителям и лицом к музыкантам

оркестра, сейчас это не кажется нам чем-то странным, но тогда это было

революционнее событие. Сделано это было именно для удобства певцов, чтобы

дирижёр мог точнее реагировать на изменения и на сцене и в оркестре.

При Вагнере появилась оркестровая яма для более компактного размещения

оркестрантов, театр в Байроте, построенный по тогдашнему последнему слову

техники и задавший стандарты всех последующих театров, и, конечно, его оперы.

Для достижения более полного контакта с оркестром он отказался от обычая

дирижировать, стоя лицом к публике, и повернулся лицом к оркестру. Также

Вагнер осуществил разделение функций правой и левой рук дирижера,

17

по сегодня сохраняющее своё значение. Правая рука, в которой дирижёр держит

палочку, занята обозначением темпа и ритма, а левая указывает вступления

музыкальных инструментов, а также динамические нюансы.

Кроме того, Вагнер обогатил гармонический и мелодический язык музыки,

открыл новые сферы музыкальной выразительности и неслыханные оркестровые

и вокальные краски, ввёл в обиход новые методы развития музыкальных идей.

Оркестр Вагнера намного превосходит состав обычного в то время оперного

оркестра, особенно за счет увеличения медной духовой группы. Наибольший

состав оркестра - в «Кольце нибелунга», что соответствует грандиозному замыслу

тетралогии; Вагнер использовал здесь четверной состав оркестра, ввел квартет

специально сконструированных туб, получивших название «вагнеровских туб»,

басовую

трубу,

контрабасовый

тромбон,

восемь

валторн,

шесть

арф,

соответственно увеличил струнную группу инструментов. Каждая из групп этого

небывалого

по

своему

составу

оперного

оркестра

составляла

как

бы

самостоятельный, внутренний «оркестр в оркестре», достаточно обширный по

диапазону и богатый выразительными возможностями, которыми широко,

разнообразно и мастерски пользовался Вагнер.

18

Занятие № 4

дополнительной образовательной программы

внеурочной деятельности ДМШ при училище

«История исполнительского дирижерского искусства»

11.10.2024 г.

Занятие мелкогрупповое

Тема: Значение роли дирижера в оркестре и хоре Профессиональные качества и

функции дирижера.

Цель занятия:

расширение музыкального

кругозора учащихся,

развитие

интереса к музыкальному исполнительскому искусству.

Задачи занятия: познакомить обучающихся с ролью дирижера в оркестре, хоре,

обозначить

основные

функции

дирижера

при

исполнении

музыкальных

произведений.

Содержание: 45 минут.

1.

Приветствие.

2.

Беседа, лекция.

3.

Подведение итогов занятия и обсуждение представленного учебного

материала с учащимися.

Ключевые понятия: музыкальный слух, ритм и память дирижера, необходимые

для работы с оркестром, хором. Волевые качества дирижера.

Мы привыкли видеть дирижера, стоящего перед оркестром спиной к

зрителям. На первый взгляд кажется, что роль его невелика. Но это в корне

неверно. Дирижер руководит всем оркестром, он направляет музыкантов и

помогает им слаженно исполнять музыкальные композиции. Дирижер вносит

свой собственный вклад в музыку - одно и то же произведение будет звучать по-

разному в видении разных маэстро.

Дирижёр - это главный музыкальный руководитель оркестра, который

отвечает

за

репертуар,

следит

за

темпом,

динамикой,

фразировкой

и

интерпретацией музыкальных произведений. Дирижёр также контролирует

громкость и интонации звучания отдельных инструментов и секций оркестра,

обеспечивая баланс и гармонию игры всего оркестра. Кроме того, дирижёр

отвечает за подготовку оркестра к концертам, репетирует с музыкантами и

работает над улучшением их музыкальных навыков. Роль дирижёра в оркестре

крайне важна, так как он создаёт общую атмосферу и настроение, чтобы подарить

зрителям эмоции и перенести их в мир музыки. Таким образом, роль дирижёра в

19

оркестре и хоре заключается в руководстве исполнением музыкальных

произведений, а так же контроле и координации действий музыкантов или

певцов.

А главные его функции таковы.

1.

Дирижёр должен прекрасно слышать партию каждого инструмента и

группы инструментов в оркестре. У него должен быть исключительно тонкий

гармонический

слух,

который

встречается

довольно

редко

даже

среди

профессиональных музыкантов. Дирижёр должен быть слухачом из слухачей.

Учитывая, что в оркестре может быть несколько десятков партий, которые надо

проконтролировать, и не допустить фальши ни в одной - представляете, какая это

сложная и тонкая работа?

2. Дирижёр должен выстроить баланс звука. Симфоническое дирижирование

появилось до изобретения усилителей звука и звукорежиссуры в целом. Поэтому

дирижёр «вручную» выстраивает баланс инструментов, чтобы они не выпирали и

не терялись, а оркестр звучал как единое гармоничное целое. Причём в каждом

концертном

зале

или

театре

акустика

своя,

и

баланс

все

время

надо

корректировать.

3. Дирижёр должен задавать темп, то есть у него, помимо слуха, должно быть

безупречное чувство ритма. Дирижёру непозволительно произвольно замедлять и

ускорять темп там, где это не предусмотрено композитором.

4. Темп в симфонической музыке не даётся один и тот же от начала до конца. В

теории музыки есть даже специальный подраздел по этой теме - агогика. Это

дисциплина, изучающая темповые отклонения. Если взглянуть на ноты -

партитуру,

мы увидим там пометки композитора, написанные словами над

нотной строкой, как правило, на итальянском языке - «замедляя», «ускоряя»,

«расширяя» и т.д. Таких вариантов изменения темпа огромное количество. Их

невозможно высчитать, они единичные. Важно после отклонения от темпа суметь

вернуться в первоначальный темп.

5. Дирижёр управляет не только оркестром. В операх, кантатах и ораториях

есть ещё хор и солисты. И ими тоже надо управлять! Помимо слышания оркестра,

дирижёр обязан слышать хоровое многоголосие и вокальные партии солистов,

которые нередко поют не по одному, а вдвоём, втроём или вчетвером.

6. Дирижёр должен быть безусловным лидером и авторитетом. У него должна

быть абсолютная уверенность в себе и владение собой, чтобы управлять

коллективом капризных творческих музыкантов, повести их за собой и добиться

полного послушания. Даже если в оркестре сто, а бывает и более, человек,

оркестр должен звучать как единый музыкальный инструмент в руках дирижёра.

7. Дирижёр должен диктовать концепцию прочтения произведения. Даже если

в нотах композитором прописан темп и характер, субъективное понимание темпа

и характера музыки у каждого музыканта своё. Представляете, что будет, если

20

каждый музыкант в оркестре будет сам решать, что для него «громко» и что для

него «весело»? Дирижёр решает за всех музыкантов, кому как играть, чтобы

получился гармоничный ансамбль.

Важным отличием дирижера от исполнителя -

солиста является и то, что солист- инструменталист или певец, работая над

произведением, имеет возможность многократно проверить свою интерпретацию

в процессе подготовки. Дирижер же обычно ограничен репетиционным временем.

Он должен начать репетицию с исполнительским коллективом с уже готовым

исполнительским планом. Дирижер обязан до репетиции слышать музыкальное

сочинение так же отчетливо, как слышал эту музыку композитор. Безупречное

внутреннее пропевание произведения должно создать у дирижера правильное

представление о музыке.

8. Дирижёр должен быть исключительно культурным и эрудированным

человеком. Он должен знать специфику каждого оркестрового инструмента,

историю музыки, исторический контекст, в котором писали композиторы, чтобы

максимально точно передать идею, стилистику звучания каждой эпохи. У

каждого композитора и у каждого стиля (классика, романтика, импрессионизм и

т.д.) своё характерное звучание оркестра. А слушатели приходят не менее

эрудированные и невероятно требовательные, они сразу заметят несоответствие

стилю, и это будет удар по репутации, если не окончание карьеры дирижёра.

9. Дирижёр должен дать свою интерпретацию произведения. Представляете?

Мало того, что нужно быть слухачом, обладать шикарным чувством ритма,

безупречно знать стиль эпохи и композитора, управлять огромным коллективом,

ещё сверх этого, нужно дать своё прочтение произведения, которое слушатели тут

же и оценят! Один и тот же оркестр под управлением разных дирижёров будет

играть одно и то же произведение совершенно по-разному! У выдающихся

дирижёров есть свой узнаваемый «почерк», и подготовленная публика может,

например, по записи оркестра понять, кто стоит за дирижёрским пультом.

10. Дирижёр должен иметь феноменальную память. Дирижёры заучивают

произведения наизусть до каждой ноты каждой партии. Некоторые бравируют

тем, что демонстративно закрывают ноты и дирижируют на память. А это - от

получаса до часа музыки, и нельзя ошибиться ни в одной ноте, паузе, или ещё

какой-то детали. Запомнить одну симфонию - как выучить наизусть всего

«Евгения Онегина», от первого до последнего слова без единой ошибки. А каждая

новая симфония - это ещё один «Онегин». Дирижёры часто знают наизусть по

нескольку десятков симфоний. Иногда в музыке идёт такое бурное развитие, что

просто некогда листать страницы, и нельзя на это отвлекаться. Дирижировать

наизусть - единственный выход.

11. Дирижер должен быть педагогом и при необходимости уметь обучить

музыкантов-исполнителей. На репетициях дирижёр также может обучить

музыкантов или певцов новым техникам или подходам к исполнению, установив

контакт с каждым членом коллектива.

21

12. В целом для дирижера очень важно быть понятным для музыкантов,

уметь находить общий язык с исполнителями. Дирижированию учатся, имея

инструментом лишь свое тело.

Требования к дирижёру действительно очень велики. Дирижер – это артист,

художник и музыкант-исполнитель. Его инструмент – оркестр, а главная задача –

внушить всем артистам, единое ощущение музыки, объединить их своей волей, из

ста индивидуальностей создать единый организм, послушный каждому его

движению.

Дирижер должен хорошо знать специфику и диапазон каждого

инструмента, свободно читать оркестровую партитуру, обладать большим

кругозором в различных областях музыки. Ему необходимо уметь разбираться в

строении

музыкальных

сочинений,

стилевых

направлениях,

особенностях

музыкального языка разных эпох.

Также дирижеру нужны выдающиеся природные способности, музыкальный

слух, память и волевые природные качества. К основным волевым качествам

дирижера

относятся

целеустремленность,

решительность,

самостоятельность,

настойчивость, выдержка, уверенность в себе, умение оценивать результат своего

труда.

Репетиции и концерты требуют огромного физического и эмоционального

напряжения. Поэтому дирижеру не меньше, чем артисту балета или спортсмену

нужны крепкое здоровье, выносливость, умение управлять своим телом

.

Существуют основные отличия дирижёра оркестра от дирижёра хора:

-

работа

с

разными

коллективами.

Оркестровый

дирижёр

руководит

инструменталистами, а хоровой — вокальными исполнителями.

- звучание коллектива.

Хор и оркестр имеют различное звучание, которое

заложено в самой музыке – хоровой и симфонической.

- дирижерская техника. Жесты оркестрового дирижера четче и жестче, чем

хорового, который использует более мягкий стиль дирижирования.

- использование дирижерской палочки.

Как правило, дирижеры оркестра

используют ее чаще, чем дирижеры хора.

Дирижеру симфонисту кроме этого нужно реализовывать огромные задачи:

организовать единый ансамбль музыкантов, свести вместе солистов, оркестр и

хор. Хормейстер же занимается только хором.

22

Занятие № 5

дополнительной образовательной программы

внеурочной деятельности ДМШ при училище

«История исполнительского дирижерского искусства»

15.10.2024 г.

Занятие мелкогрупповое

Тема: выдающиеся дирижеры мира.

Цель занятия:

расширение музыкального

кругозора учащихся,

развитие

интереса к музыкальному исполнительскому искусству.

Задачи занятия: познакомить обучающихся с именами выдающихся дирижеров

мира.

Содержание: 45 минут.

1.

Приветствие.

2.

Беседа, лекция.

3.

Подведение итогов занятия и обсуждение представленного учебного

материала с учащимися.

Ключевые понятия: имена самых великих дирижеров мира: Томас Бичем,

Карло Мария Джулини, Артуро Тосканини, Вильгельм Фуртвенглер, Николаус

Арнонкур, Клаудио Аббадо, Леонард Бернстайн, Бернард Хайтинк, Сэр Саймон

Рэттл.

Лучшие дирижеры мира заслуженно удостоились этого звания, поскольку

смогли дать новое звучание знакомым произведениям, они сумели «понять»

композитора, представить особенности эпохи, в которой творил автор, выразить

чувства гармонией звуков и затронуть каждого слушателя.

Томас Бичем. Знаменитые дирижеры мира ассоциируются с именем Томаса

Бичема. Он начал карьеру в 1909 году в Англии. За время работы провел

концерты Вгородах Англии, совершил турне по США. Под его началом был

создан Новый симфонический оркестр (1906 г), Лондонский филармонический

оркестр (1932 г), Королевский филармонический оркестр (1946 г).

Это неординарный человек, который оставил след в музыкальном искусстве,

не имея дирижерского образования. Особый вклад Бичема в музыкальное

искусство дирижирования в том, что он сумел интерпретировать классические

произведения, его дирижерская работа отличалась новаторским взглядом, он

добивался чистоты звучания каждого музыкального произведения. Его сила

воздействия

на

музыкантов

заключалась

в

гипнотическом

влиянии

и

возможностью одним жестом показать, чего он ожидает от каждого члена

23

оркестра. Ни одно его движение не было отрепетировано заранее, сила

экспрессии передавалась всем участникам коллектива. Под управлением Томаса

Бичема впервые было записано произведение в выполнении оперного оркестра на

пластинку. Он популяризировал классическое искусство. За заслуги удостоен

титула Сэра.

Карло Мария Джулини. Итальянский дирижер, который считал своей целью

оживить математику знаков на страницах нот в звучание музыки. Карло Мария

Джулини получил образование по классу скрипки. Дебют за дирижерским

пультом произошел в 1944 году в освобожденном Риме. Наиболее заметные

достижения состоялись во время работы в Ла Скала, где под его руководством

поставили десятки опер и концертов. Карло Мария Джулини преуспел в

дирижировании оперных и симфонических концертов. Наибольшую известность

он получил как интерпретатор духовной и симфонической музыки 18-19 века.

Стиль его работы включает динамичность и лирическую теплоту, которым

предшествовали

долгие

часы

репетиций.

Он

контролировал

каждый

динамический отрывок концерта, не позволяя музыкантам выпадать из общего

звучания.

Артуро Тосканини. Мировые дирижеры равнялись на стиль, трудоспособность

итальянца Артуро Тосканини. Выходец из семьи портного с раннего детства

подавал большие надежды как музыкант. Получал стипендию в Пармской

Королевской

музыкальной

школе

по

классу

фортепиано,

виолончели,

композиции.

Дирижер Тосканини «родился» случайно. Во время одного из концертов в

Бразилии пришлось встать за пульт. Тогда Артуро Тосканини по памяти

дирижировал «Аиду». Благодаря случаю мир получил одного из лучших

дирижеров 19-20 веков. Артуро Тосканини дирижировал в 20 итальянских

городах, 15 лет занимал должность дирижера в театре Ла Скала. С 1908 года

работал в США в Метрополитен-опера, благодаря чему американское оперное

искусство пережило период расцвета.

Вильгельм Фуртвенглер. Немецкий корифей дирижерского искусства, которому

не посчастливилось работать в фашистской Германии, Вильгельм Фуртвенглер,

по праву заслужил овации зрителей и хвалебные отзывы критиков. Он родился в

зажиточной аристократической семье, получил отличное образование, его карьера

развивалась стремительно, и уже в молодом возрасте Вильгельм Фуртвенглер

дирижирует

в

Берлинской

государственной

опере,

затем

в

Берлинской

филармонии, руководит Лейпцигским оркестром. За период деятельности обрел

мировую

популярность.

Он

запомнился

как

интерпретатор

классических

немецких произведений.

Особенность дирижерского стиля Фуртвенглера заключается в уникальной

технике. Его движения казались иногда неуклюжими, не всегда отвечавшими

24

ритму, словно человек полностью охвачен влиянием музыки и пребывает в своем

мире. Но музыканты улавливали эмоции, посыл дирижера, и могли с легкостью

воссоздать чувства через звучание.

Николаус Арнонкур.

Великие дирижеры совершали революцию звука и

понимания самого музыкального произведения. Именно эта заслуга принесла

Николаусу Арнонкуру мировое признание. Он открыл новое направление,

которое сегодня называют «аутентизм». Это значит понять главную идею,

описанную в партитуре. Николаус Арнонкур сделал настоящий прорыв в

воспроизведении старинных произведений. Он пытался понять, как жил, в каких

условиях творил композитор, для каких инструментов была написана партия. Для

этого отыскивал старинные инструменты, и пробовал играть на них. Дирижер был

уверен, что каждое произведение требует своего звучания. Признание дирижеру

пришло в конце 20 века. Он был удостоен Премии Роберта Шумана, Премии

Киото, Лейпцигской Баховской медали, и даже Гремми в 2001 году.

Клаудио Аббадо. Итальянский дирижер, сын известного музыканта, учился в

миланской консерватории, усовершенствовал технику в венской Академии

музыки и сценического искусства. Первое признание как дирижера пришло после

победы

на

конкурсе

Кусевицкого,

а

затем

в

Международном

конкурсе

начинающих дирижёров имени Митропулоса в Нью-Йорке. В последствии

Клаудио Аббадо - дирижер открыл двери лучших мировых театров и работал с

Венским, Лондонским, Берлинским оркестрами.

Клаудио Аббадо дирижировал классические и современные произведения.

Критики и слушатели отмечали, что под его руководством оркестр звучит как

один музыкальный инструмент.

Леонард Бернстайн.

Леонард Бернстайн не хотел быть кем-то одним: ему

нравилось играть, писать музыку, дирижировать и преподавать. Все это он

воплотил в жизнь, хотя его имя в первую очередь ассоциируется с самыми

известными дирижерами мира. Он стал музыкантом случайно, прикоснувшись к

фортепиано в десятилетнем возрасте. Так же случайно дирижировал первый

концерт без единой репетиции, когда понадобилось заменить коллегу. Первый

проведенный концерт в Нью-Йоркской филармонии имел ошеломляющий успех и

хвалебные отзывы в газете «Таймс». Бернстайн был первым американцем,

который стоял за пультом сцены Ла Скала. В его стиле дирижирования

преобладало стремление к динамичности, красочности, экспрессии. Его трактовки

классических произведений могли вызывать споры, но никогда не оставляли

слушателей равнодушными.

Бернард Хайтинк.

Голландский дирижер Бернард Хайтинк учился игре на

скрипке,

а

с

1954

года

начал

обучение

дирижированию.

Он

сделал

головокружительную карьеру: возглавлял Лондонский филармонический оркестр,

Дрезденскую государственную капеллу, оперный театр Ковент-Гарден, Чикагский

симфонический оркестр. Под руководством мастера звучали произведения

25

Бетховена, Шостаковича, Чайковского, Малера. Он делал записи фортепианных

концертов,

дирижировал

оперу

и

современные

произведения

и

мировое

признание вполне заслуженное. Особенность таланта этого дирижера в том, что

под его руководством каждое произведение звучало естественно, легко, а стиль

просто распознать во всех работах. Бернард Хайтинк вошел в список лучших

мировых дирижеров всех времен, а также удостоился многих наград, в том числе

Грэмми и Музыкант Года (2007 год). Сценическая деятельность была завершена

в 2019 году, когда дирижер отпраздновал 90-летний юбилей. Последний концерт

состоялся на Люцернском фестивале в Швейцарии.

Сэр Саймон Рэттл. Британец Сэр Саймон Рэттл возглавляет списки лучших

дирижеров

современности.

Он

руководил

Симфоническим

оркестром

Бирмингема, стоял за пультом Берлинской филармонии, был руководителем

Лондонского симфонического оркестра. В 1987 году Рэттл удостоился звания

рыцаря-бакалавра. В 2010 году сэр Саймон Рэттл занял шестое место из ста

предложенных кандидатур как выдающийся дирижер всех времен. Наибольшую

известность он получил за интерпретации произведений 19-20 века. Сэр Саймон

Рэттл дирижировал разную музыку: современные произведения для фильмов и

воспроизведения классики на старинных музыкальных инструментах.

На данный момент Сэр Саймон Рэттл является главным дирижером берлинской

филармонии,

а

с

2023

года

под

его

руководством

выступает

главный

симфонический оркестр Баварского радио. Дирижера по праву называют

мастером художественного разнообразия.

Самые известные дирижеры мира не ставили главной целью, достичь

мирового признания. Они просто творили, упорно репетировали, восторгались

самим процессом. Оказаться на вершине профессиональной популярности

возможно, если в одном человеке соберутся такие качества как талант, склонность

к обучению, настойчивость, терпеливость, труд и любовь к музыке.

26

Занятие № 6

дополнительной образовательной программы

внеурочной деятельности ДМШ при училище

«История исполнительского дирижерского искусства»

19.10.2024 г.

Занятие мелкогрупповое

Тема: дирижерское исполнительское искусство в России.

Цель занятия:

расширение музыкального

кругозора учащихся,

развитие

интереса к музыкальному исполнительскому искусству.

Задачи занятия: познакомить обучающихся с именами выдающихся дирижеров

России.

Содержание: 45 минут.

1.

Приветствие.

2.

Беседа, лекция.

3.

Подведение итогов занятия и обсуждение представленного учебного

материала с учащимися.

Ключевые понятия: история дирижерского исполнительства в России, Антон и

Николай Рубинштейн, Милий Балакирев – основатели

профессионального

обучения отечественной школы дирижирования, имена выдающихся дирижеров

России.

Истоки русского дирижёрского искусства ведут своё начало от хорового

пения XVI–XVII веков. В то время во главе хоров стояли так называемые

«головщики»,

которые

руководили

исполнением

и

указывали

вступление

отдельных голосов.

В

начале XVIII столетия

при царском дворе начали

действовать первые оперные труппы, а затем и инструментальные ансамбли. В ту

пору ими руководили чаще всего иностранные композиторы, подолгу работавшие

в России. Среди них итальянские музыканты: Фердинанд Антонолини, Джузеппе

Сарти, Джованни Паизиелло, Бальдассаре Галуппи, немецкие дирижеры: Иоганн

Гюбнер, Герман Раупах и другие.

Таким образом, в начале своего развития

российская

школа

дирижирования

находилась

под

влиянием

зарубежных

дирижеров, которые положительно влияли на становление профессионального

дирижирования в России.

Но уже в конце XVIII века во главе театров и оркестров нередко можно было

встретить выдающихся русских музыкантов. Первым из них был композитор

Евстигней Фомин, который освоил дирижёрское искусство во время учёбы в

воспитательном

училище

при

Академии

художеств,

где

наряду

с

общеобразовательными предметами преподавали и музыкальные дисциплины.

Евстигней Фомин долгое время дирижировал в частных труппах Москвы и

27

Петербурга, а с 1797 года выступал и в придворной опере. Вместе с ним основы

отечественного

дирижёрского

искусства

закладывал

композитор

Василий

Пашкевич,

который

с 1756 года был придворным музыкантом в Санкт-

Петербурге, руководившим оркестром петербургского «Вольного российского

театра», с 1763 года – скрипачом оркестра бальной музыки при дворе. Позднее

преподавал пение в Академии художеств.

Начало именно профессиональному обучению отечественной школы

дирижирования положили Антон и Николай Рубинштейн, Милий Балакирев,

когда в начале в Петербургской, а затем в Московской консерватории открылись

дирижерские классы. Большое влияние на дирижерское искусство оказывали

композиторы, которые помимо своих произведений пропагандировали музыку

соотечественников.

Разные в творческом отношении, они дополняли друг друга в

данной области. Антон и Николай Рубинштейны заложили основы регулярной

концертной жизни в Петербурге и Москве, долгое время руководили концертами

Русского музыкального общества. Они представили отечественным слушателям

огромное

количество

классических

произведений,

значительно

подняли

профессиональный уровень ведущих столичных оркестров, а в открывшихся

русских консерваториях способствовали воспитанию плеяды замечательных

оркестрантов.

Милий Балакирев в качестве дирижера сыграл огромную роль в пропаганде

сочинений композиторов «Могучей кучки», а также творчества зарубежных

авторов - Берлиоза, Листа, Шумана, Вагнера. Одной из самых ярких страниц в

художественной жизни России того времени стали организованные им концерты

Бесплатной музыкальной школы в Петербурге.

Имя Балакирева связывают с одним из первых триумфов русского

дирижерского искусства за рубежом: в 1866 и 1867 годах в Праге впервые

прозвучали оперы Михаила Глинки «Иван Сусанин» и «Руслан и Людмила» под

его управлением, их имена были широко известны не только в России, но и в

Европе.

Развитие дирижёрского искусства в России было связано с деятельностью

крупнейших русских музыкантов и, прежде всего, композиторов. Пётр Ильич

Чайковский

и

Николай

Андреевич

Римский-Корсаков

превосходно

дирижировали, исполняя не только свои сочинения, но и произведения своих

коллег - русских и зарубежных. Концерты и спектакли под их управлением

проходили с огромным успехом как в России, так и за границей.

В период конца XIX – начала XX века значительного успеха добились и

другие выдающиеся русские дирижеры. На концертной эстраде вслед за

Балакиревым и Антоном Рубинштейном, Чайковским и Римским-Корсаковым

появились Александр Глазунов, Сергей Танеев, Анатолий Лядов, Антон

Аренский, Сергей Рахманинов, Михаил Ипполитов-Иванов. Они принимали

участие в концертах Русского музыкального общества, а также и в «Русских

симфонических концертах», которые в 1885 году были основаны Митрофаном

Петровичем Беляевым - знаменитым русским музыкальным деятелем.

.

28

Постепенно складывалась русская дирижёрская школа,

которая

способствовала подъёму оркестрового исполнительства и росту художественного

уровня

ведущих

музыкальных

театров. Заслуга

в

этом

принадлежит

выдающемуся дирижёру и композитору Эдуарду Францевичу Направнику

(1839–1916),

который

на

протяжении

нескольких

десятилетий

возглавлял

Мариинский

театр

в

Петербурге. Направник

оказался

одним

из немногих

в России, кто имел не только желание дирижировать, но еще и способности,

а главное – достойное образование в этой области.

В этот же период отмечен становлением музыкально-педагогических

дирижерских традиций. Здесь необходимо отметить значительную роль Николая

Андреевича Малько, который в первые годы после революции высказал свое

мнение о необходимости профессионализации дирижёрского образования в

СССР, после чего были созданы и успешно применены параллельно в Ленинграде

и в Киеве специальные программы обучения. Ему же принадлежит первый в

отечественной школе опыт теоретического осмысления особенностей мануальной

техники.

Дирижерский

жест,

технику

дирижирования

он

описывал

как

«уникальный

язык

общения,

который

выполняет

функцию

полноценного

раскрытия творческой идеи композитора».

Значительный скачок в области дирижерского искусства в России произошел

после 1917 года. К этому времени нужно отнести имена целой плеяды

выдающихся мастеров дирижерского искусства: Н.С. Голованов, А.М. Пазовский,

Н.П. Аносов, А.В. Гаук, Л.М. Гинзбург. Это представители определенной

оркестровой

школы,

отличающейся,

в

первую

очередь,

благородством,

естественностью и мягкостью оркестрового звучания. Следующий этап в

развитии отечественного дирижирования это систематические конкурсы: 1938 г.,

1966 г., 1976 г., 1983 г., которые выдвинули целый ряд талантливых молодых

дирижеров.

Высокую признательность и любовь во всем мире снискали российские

дирижеры нашего времени: Евгений Светланов, Геннадий Рождественский,

Мстислав Ростропович,

Валерий Гергиев,

Владимир Федосеев, Юрий

Башмет.

Всех

их

отличает

высокий

профессионализм,

преданность

композиторскому замыслу, глубокое проникновение в стиль и интерпретацию

музыкального произведения.

Юрий Башмет – современный выдающийся альтист, художественный

руководитель и главный дирижер Государственного симфонического оркестра

"Новая Россия".

В 1982 году по совету выдающегося советского пианиста Святослава Рихтера

Юрий Башмет попробовал себя в качестве дирижера, а 10 лет спустя создал

камерный ансамбль «Солисты Москвы», где также начал выступать в качестве

дирижера этого ансамбля. В 1991 году на гастролях за рубежом был подписан

29

временный контракт на работу коллектива с мэрией города Монпелье во

Франции. Впоследствии музыканты оркестра приняли решение остаться во

Франции, что было неприемлемо для Башмета, поскольку он не собирался

уезжать из России. Тогда маэстро отказался от руководства оркестром и оставил

коллектив. Вскоре ансамбль прекратил свое существование.

В 1992 году Юрий Башмет создал новый камерный ансамбль "Солисты

Москвы", участниками которого стали талантливые молодые музыканты –

выпускники

и

аспиранты

Московской

консерватории.

В

2008

году коллектив совместно с Юрием Башметом был удостоен премии "Грэмми" за

записи музыки Игоря Стравинского и Сергея Прокофьева, став первым

российским камерным ансамблем, удостоенным этой престижной премии.

С 2002 года Юрий Башмет является художественным руководителем и

главным дирижером Государственного симфонического оркестра "Новая Россия".

В качестве солиста и дирижера выступает с выдающимися симфоническими

оркестрами

мира:

Берлинским

филармоническим

оркестром,

Берлинским

симфоническим

оркестром,

Венским

филармоническим

оркестром,

Симфоническим оркестром Баварского радио, Нью-Йоркским филармоническим

оркестром,

Симфоническим

оркестром

Сан-Франциско,

Чикагским

симфоническим оркестром, Бостонским симфоническим оркестром, Лондонским

филармоническим

оркестром,

Симфоническим

оркестром

Радио

Франции,

Оркестром de Paris.

Юрий Башмет выступает в лучших концертных залах Европы, США,

Канады, Латинской Америки, Австралии, Новой Зеландии и Японии, среди

которых

Большой

зал

Московской

консерватории,

Большой

зал

Санкт-

Петербургской

филармонии,

Карнеги-холл

в

Нью-Йорке,

Концертгебау

в

Амстердаме, Барбикан в Лондоне, Берлинская филармония, Ла Скала в Милане и

многие другие.

С 2012 года Юрий Башмет возглавляет Всероссийский юношеский оркестр,

который формируется на основе конкурса молодых исполнителей классической

музыки.

Творчество Юрия Башмета было отмечено многими званиями и наградами.

В 1991 году ему было присвоено звание народный артист СССР. Он был удостоен

Государственной премии СССР, четырех Государственных премий России,

Премии правительства РФ в области культуры, он является Героем Труда

Российской Федерации. Маэстро награжден орденами "За заслуги перед

Отечеством" III, IV и II степеней, орденом Почета, орденом Дружбы. Среди его

иностранных наград – степени офицера французских орденов "Изящных искусств

и словесности" и Почетного Легиона, степень командора ордена "За заслуги

перед Итальянской Республикой".

Народный артист России Валерий Гергиев - дирижер с мировым именем,

один из самых значимых деятелей культуры в России, живущих в наше время. Его

влияние сложно переоценить, ведь именно он возродил славные традиции

Мариинского театра в Санкт-Петербурге, открыл несколько дополнительных

30

сцен

не только

в Петербурге,

но и за его

пределами,

стал

приглашённым

дирижёром самых значимых театров мира, а теперь является и художественным

руководителем

Большого театра в Москве, чтобы наладить там рабочие

процессы. Впервые он встал за

дирижёрский пульт в 1978 году во время

исполнения оперы

Сергея Прокофьева «Война и мир». С 1981 по 1985-й

параллельно руководил Государственным симфоническим оркестром Армении,

а уже в конце 80-х, когда Юрий Темирканов пошёл в филармонию, стал главой

Кировского театра. В 1992 году он дебютировал на сцене Метрополитен-опера

с оперой Верди «Оттело», став там приглашенным дирижёром. Кроме того,

с 1995 по 2008 годы его назначили приглашённым дирижёром Роттердамского

филармонического оркестра, а с 2007 по 2015 год он был главным дирижёром

Лондонского

симфонического

оркестра.

В 2015-м

возглавил

Мюнхенский

филармонический оркестр.

Вместе с оркестром Мариинского театра Гергиев принимал участие

в церемонии закрытия зимних Олимпийских игр в Ванкувере в 2010 году, а также

открывал и закрывал зимнюю Олимпиаду в Сочи в 2014 году.

Имя Валерия

Гергиева фактически является синонимом Мариинского театра, где он в 1988

году стал музыкальным руководителем. За эти годы Валерий Абисалович

возродил театр и смог сделать из него настоящий культурный центр, завоевавший

признание во всём мире.

Валерий Гергиев активно поддерживает России и русскую культуру. Так,

когда в 2004 году случился страшный теракт в Беслане, он провел серию

благотворительных концертов «Беслан. Музыка во имя жизни», которые прошли

в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Токио, Риме и Москве. Все деньги, собранные

с мероприятия, пошли в фонд помощи. Уже через четыре года дирижер совместно

с симфоническим оркестром Мариинского театра выступил на центральной

площади города Цхинвала с концертом, который посвятил памяти жертв среди

мирного

населения

в войне

в Южной

Осетии.

В мае

2016

года

оркестр

Мариинского театра под руководством Гергиева дал концерт в старинном

амфитеатре полуразрушенной Пальмиры в Сирии.

После начала специальной военной операции по защите Донбасса от работы

с Валерием Гергиевым стали отказываться ведущие театры мира, требуя его

осудить СВО. Так, ему не дали выступить в театре Ла Скала, а также отстранили

от должности

главного

приглашенного

дирижера

Мюнхенского

филармонического оркестра.

Что отличает Валерия Гергиева от других дирижёров? Многие музыканты,

музыкальные критики ставят

на первое место неповторимую творческую

индивидуальность дирижёра, оказывающую огромное воздействие, как на

оркестр, так и на аудиторию. Гергиева называют самым харизматичным

дирижером среди его современников. Как отмечал один из американских

журналов, в то время как нынешние маэстро похожи один на другого, он

выглядит как старомодный артист с печатью непреходящей классичности,

31

подобно дирижерам в черно-белом кино со скрипучим звуком. От него

одновременно могут исходить поразительное очарование и яростная неистовость,

от которой вздрагиваешь. Он необыкновенно одаренный наследник великой

русской музыкальной традиции. Он трепетно оберегает то, что ему дорого в этой

традиции, и безжалостно уничтожает штампы. Он из другого географического,

культурного и психологического мира. Он одновременно человек мира и человек

над миром. Если существует какая-либо общая нить, связывающая воедино все

его интерпретации, то это, вероятно, страсть к палитре красок, к искусству

гармонии и красоте.

Из всех музыкальных профессий профессии дирижера самая ответственная и

сложная. Дирижер поставлен в особые условия: его инструментом является целый

коллектив исполнителей. Истинному художнику-музыканту необходимо особое

призвание к своему инструменту. У дирижера – это хор или оркестр. Поэтому он

должен «ощущать исполнительский коллектив как единый многокрасочный и

многозвучный инструмент, состоящий из живых, индивидуально мыслящих,

чувствующих и созидающих музыкантов - художников».

Дирижирование — это искусство, а искусство будет востребовано всегда.

Сегодня интерес к музыке только растет, увеличивается популярность

выступлений музыкальных коллективов. Вполне вероятно, что через 10 лет

тенденция будет только усиливаться. Без дирижеров не будет музыки, а без

музыки не будет культуры.

32